Résidences d’artistes

Ahmet Öğüt cherche constamment à créer des œuvres aux prises avec des enjeux sociaux – l’impact de l’activité économique sur le quotidien ou la réappropriation de l’outil par les travailleurs – grâce à un humour qui souligne, plus qu’il ne masque, la gravité des questions abordées.

Sohrab Mohebbi est commissaire d’exposition au SculptureCenter de New York depuis 2018. Il y a réalisé les expositions personnelles de Jean-Luc Moulène, Banu Cennetoğlu et Fiona Connor. Auparavant, il a été, pendant quatre ans, commissaire associé à REDCAT, un centre d’art lié à l’université californienne de CalArts.

Peio Aguirre contribue régulièrement au magazine frieze. Commissaire indépendant, il a été en charge du pavillon espagnol de la Biennale de Venise de 2019, où il a exposé les artistes Itziar Okariz et Sergio Prego.

Anna Colin co-dirige l’Open East School à Margate (Angleterre), un espace dédié au développement artistique et à l’échange de savoirs et savoir-faire entre différentes communautés – artistiques et locales. Elle est également curatrice associée à Lafayette Anticipations –Fondation d'entreprise Galeries Lafayette à Paris.

Annie Godfrey Larmon intervient régulièrement dans le magazine américain Artforum et a publié un livre sur l’artiste Ken Okiishi en 2014. Elle prépare deux ouvrages sur les artistes américaines Beverly Pepper et Mary Reid Kelley, tout en s’attelant à la rédaction de son premier roman.

Pierre-Alexandre Mateos et Charles Teyssou forment un duo de commissaires installés à Paris. En mai 2018, ils ont lancé le « Cruising Pavilion », une exposition interrogeant les liens entre pratiques sexuelles minoritaires et architecture, à l’occasion de la XVIe Biennale d'architecture de Venise. Ce travail a aussi fait l’objet d’une exposition à Ludlow 38, à New York, en février 2019, et s’est achevé à ArkDes, à Stockholm, en Suède, à l’automne 2019. En septembre 2018, ils ont présenté une exposition de groupe consacrée au baroque néolibéral à Converso, à Milan. Ils collaborent régulièrement à de nombreuses publications dont Flash Art et L'Officiel Art.

Écrivain et commissaire d’exposition, Paul B. Preciado est une figure internationalement reconnue de la philosophie du corps, des études de genre et de la politique sexuelle. Son premier livre, Manifeste contra-sexuel, est devenu une référence pour l'activisme européen queer et transféministe. Il est l'auteur de Testo junkie : Sexe, drogues et biopolitique et de Pornotopie : Playboy et l’invention de la sexualité multimédia. Son dernier opus, Un appartement sur Uranus, réunit ses articles parus dans Libération depuis 2013. En 2019, il a été le commissaire du pavillon taïwanais de la Biennale de Venise avec l’artiste Shu Lea Cheang et a fait partie du comité artistique de la Bergen Assembly en Norvège.

Les créations de Florentina Holzinger ont pour moteur la transgression identitaire, sexuelle et physique. S’inspirant aussi bien de l’actionnisme viennois, du body art et du culturisme que du ballet classique, du cabaret, voire du cirque, elle déconstruit, spectacle après spectacle, la définition même du féminin.

Yuri Pattison utilise les technologies numériques, la vidéo et la sculpture afin de mener à bien des recherches poussées sur les ramifications sociales et politiques de l’accélération du développement des technologies et de la densité visuelle à l’heure du tout-numérique.

Les vidéos, sculptures, photographies et installations de Mohamed Bourouissa ont souvent pour point de départ les marges de notre société. Il réalise, depuis ses débuts, une galerie de portraits hyper contemporains qui tentent d’échapper aux stéréotypes socio-culturels de notre époque, grâce aux collaborations et aux échanges nés de ses rencontres.

Kiluanji Kia Henda est un artiste multimédia qui remet en question le passé colonial de l’Angola, son pays d’origine, l’histoire des diasporas africaines en Europe, et la tragédie migratoire actuelle tout en se confrontant, dans sa pratique, aux notions d’identité, de modernité et d’engagement politique.

Cecilia Bengolea voit la performance comme une sculpture animée lui permettant de devenir en même temps objet et sujet de ses œuvres. Elle pratique tour à tour la vidéo, la performance et la sculpture. Elle étudie les formes anthropologiques archaïques et contemporaines de danse en communauté. Elle s’intéresse tout particulièrement à la façon de composer avec les symboliques et les énergies de la nature, avec les éléments et au sein d’une communauté de collaborateurs choisis, dont François Chaignaud, Craig Black Eagle et Erika Miyauichi. Elle vit et travaille à Paris.

Flora Katz travaille depuis 2015 sur une thèse à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne intitulée : « Réalismes spéculatifs et art contemporain, possibles dialogues esthétiques et critiques : Pierre Huyghe ». En parallèle à son travail de recherche, elle enseigne à l’Institut d’Etudes Supérieures d’art de Paris, collabore à de nombreuses revues (Artpress, Mouvement, Cura) et catalogues d’expositions, et poursuit de concert une activité de commissaire d’exposition.

Dans son travail cet artiste multimédia fait revivre des paysages et des écosystèmes passés, présents et futurs grâce à sa vision micro et macro de l’environnement, et par le prisme de la réalité virtuelle, à partir d’un long processus de recherche sur le terrain et auprès de spécialistes des questions de la préservation des espèces.

Linda Yablonsky est critique d’art, journaliste et auteure du livre The Story of Junk: A Novel. Basée à New York, elle couvre le milieu de l’art international depuis plus de 25 ans pour de nombreux magazines, notamment le New York Times et T Magazine, Bloomberg News, Artforum et Artforum.com, ainsi que Art Newspaper et W Magazine. Elle a également contribué à des essais critiques, des monographies et des catalogues d’exposition sur des artistes tels que Anish Kapoor, Keith Sonnier, Marilyn Minter, Francesco Vezzoli, Elmgreen & Dragset, Mark Morrisroe and James Nares. Pendant sa résidence à Luma Arles en 2017, elle a pu travailler sur l’ouvrage Why Jeff Koons? Premier livre complet et détaillé consacré à la vie de l’artiste et sa carrière, publié aux Etats-Unis chez Henry Holt & Co.

Julie Beaufils est peintre. Elle a étudié à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris et à la Roski School of Art and Design de l’université de Caroline du Sud, à Los Angeles. Elle a exposé, entre autres, dans diverses galeries et institutions telles que Balice Hertling, àParis ; Mendes Wood DM, à São Paolo ; la Kunsthalle, à Mulhouse ; Overduin & Co., à Los Angeles et la Fondation d’entreprise Pernot Ricard, à Paris.

Elle a fait ses études à Henri-IV et était avocate pénaliste jusqu’en 2018.

Elle a publié deux romans : Play boy (Stock, 2018) et Love Me Tender (Flammarion, 2020). Dans le cadre de sa résidence à Luma Arles, Constance Debré s’attelle à son prochain opus. « Le travail entamé dans ces précédents ouvrages et que j’entends ainsi poursuivre, explore la possibilité (?) d’être soi. »

Elle pose donc la question de la construction d’une identité, à travers un double mouvement, celui horizontal de la narration, et celui, en quelque sorte vertical, de l’émancipation du sujet (le narrateur) des identités : sociales, sexuelles, familiales. Construction, déconstruction, donc

Precious Okoyomon est à la fois poète et artiste, vit à New York et crée des portails vers de nouveaux mondes. Le travail d’Okoyomon a fait l’objet d’expositions solo au MMK de Francfort cette année et à Luma Westbau, à Zurich, en 2019. Son deuxième livre But Did U Die ? sera publié par Serpentine/Wonder Press en 2020.

Sara Sadik est artiste. Elle travaille sur la jeunesse française issue des quartiers populaires et sa culture dont elle documente les arcanes et déconstruit les mythologies sociales, notamment liés à l’adolescence et aux masculinités. Son travail s’exprime dans des vidéos ou des performances, allant du documentaire à la science-fiction en passant par la télé-réalité. Lors de sa résidence à Luma Arles, Sara Sadik préparera un docu-fiction sur la jeunesse arlésienne

Alexandre Khondji est artiste. Il a étudié au Bard College de New York et plus récemment au Royal College of Art à Londres. Sa pratique artistique questionne notamment le statut de l’image et de l’oeuvre à travers leurs puissances d’exposition, de manifestation. Son travail s’accompagne également d’une recherche théorique qu’il cherchera à développer pendant son temps de résidence.

Miriam Laura Leonardi est artiste. Elle navigue autours de différents médiums, interrogeant le langage et les signes comme éléments porteurs de sens qui évoluent avec le temps. Elle examine les normes sociales sur un ton ironique, tout en utilisant l’esthétique minimale de l’art conceptuel. L’artiste utilise le potentiel de l’appropriationnisme (courant artistique où les auteurs s’approprient les œuvres d’autres artistes en les retravaillant) pour révéler les structures que forment les biens marchands de la culture capitaliste. Elle produit d’énigmatiques objets du désir, comme de faux ready- made, des installations éphémères, des sculptures mais aussi des vidéos et des performances-vidéos.  Lors de sa résidence à Arles, elle souhaite travailler pour la première fois la céramique afin de créer des vases inspirés de la tradition sicilienne des arts décoratifs à des fins domestiques.

Charlotte Houette a étudié aux Beaux-arts de Paris et à l'Art Center College of design de Pasadena.
Son travail de peinture intègre différentes techniques, comme l'impression, le transfert, la construction et la sculpture. Des éléments fabriqués, comme des fenêtres ou des portes évoquant des façades découpées de maquettes de maisons simplistes, sont intégrés de façon récurrente aux tableaux, plaçant ces derniers à mi-chemin entre la peinture abstraite et le ready-made.
En 2015, elle a cofondé The Cheapest University, une école expérimentale qui organise des workshops, des résidences et des conférences. Au sein de ce projet, elle a crée la revue EEAPES, qui se fonde sur des lectures collectives et des traductions d’écrits de science-fiction féministe.

Les vastes recherches de Christodoulos Panayiotou se focalisent sur l’identification et la découverte de récits cachés dans les preuves visuelles de l’histoire et du temps. Ses dernières expositions personnelles eurent lieu à la 56ème Biennale de Venise dans le cadre du pavillon chypriote, au Centre de Création contemporaine Olivier Debré, Tours; au Camden Art Centre, Londres ; au Musée d’Orsay, Paris ; à la Casa Luis Barragán, Mexico City et enfin au Moderna Museet, Stockholm.

La pratique de Parker Ito tend vers la création d’une œuvre vaste et interconnectée, prenant la forme d’installations, de peintures, sculptures, vidéos, dessins, sites web, livres et gravures. Parker Ito a exposé dans des musées et centres d’art du monde entier tel la Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen; Museum of Contemporary Art, Denver; Times Museum, Guangzhou; Institute of Contemporary Arts, London; Sifang Art Museum, Nanjing; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris; Fall River Museum of Contemporary Art, Fall River; and Trondheim Kunstmuseum, Trondheim. Son travail a été présenté lors d’expositions personnelles et de groups à Beijing Art Now Gallery, Beijing; White Cube, London; Sadie Coles HQ, durant CONDO London; Château Shatto, Los Angeles; Galeria Mascota, Mexico City; Andrea Rosen Gallery, New York; Team Gallery, New York et Los Angeles; Air de Paris, Paris; Three Star Books, Paris; et enfin Berggruen Gallery, San Francisco.

Autour de la peinture, du dessin et de la bande dessinée, Julien Ceccaldi décrit des personnages en quête d’amour et de succès. Inspirés par les archétypes de la tradition du manga Shoujo, ses histoires se polarisent sur des relations personnelles et sentimentales impliquant des êtres androgynes.
Son corpus d’œuvres dépeint le croisement entre mignon et morbide, et transmet un intérêt pour les contraintes liées à la mode et à l’image publique.
Il a participé à plusieurs expositions dans des institutions et des galeries dont le Kölnischer Kunstverein, Cologne; House of Gaga, Mexico City; Jenny’s, New York; and Lomex, New York.
Julien Ceccaldi a fait l’objet d’articles dans différentes publications incluant  Artforum, Frieze et Mould Map, et il est l’auteur de plusieurs bandes dessinées publiées à compte d’auteur.

Maria Hassabi est une artiste et chorégraphe, qui pratique tout autant la performance, les installations, la sculpture, la photographie et la vidéo.

Ses dernières expositions personnelles incluent Secession, Vienna (2021); Pulitzer Arts Foundation, St. Louis (2019); MUDAM, Luxembourg (2019); Centre Pompidou, Paris (2018); K20, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf (2017-18); Walker Art Center, Minneapolis (2017); Museum of Modern Art, New York (2016); Hammer Museum, Los Angeles (2015); The Kitchen, New York (2019, 2016, 2013, 2011, 2006); Stedelijk Museum, Amsterdam (2015); Australian Centre for Contemporary Art, Melbourne (2014); Centre d’Art Contemporain, Genève (2012); Performance Space 122, New York (2007, 2009). 

Intersectionnalité/
Tu es la personne la moins sûre d'elle que je connaisse et c'est dégoûtant /
Nous devons être doux avec le coeur des autres. 
J'aime l'Amérique et l'Amérique m'aime. 
Pour la CULTURE/
Si vous étiez eux, vous seriez eux/
ÉCOUTEZ/
"Vous devez leur donner quelque chose de spécial, vous devez leur donner vous, ce que vous faites, ce que vous représentez"
Nouvelles femmes, vieilles méthodes, il faut garder l'équilibre/
J'ai l'air plus cool que je ne le suis/
Je ne veux pas que mon travail soit une putain d'association de zones libres/
Construisez les marges/
Yo No se
Je ne jure que par l'instant présent 
Le centrage identifie 
Considère la source 
Le piège de la soif émotionnelle
Long voyage, pas beaucoup de temps
Expérience sans frontières
On ne peut pas être bouleversé sans être prêt à éduquer
Nous devons en savoir plus sur l'autre avant de parler de l'autre.
Privilège économique déguisé en moralité
En tant qu'hommes noirs, nous essayons toujours de nous sentir en sécurité.
J'ai grandi en étant le nègre bizarre du quartier.
L'angoisse du piège de l'endettement 
Le droit de l'homme d'avoir le fruit de son travail stocké quelque part.
La classe des baby-boomers
Le dysfonctionnement de la conduite en D 
Les implications émotionnelles 

Naoki Sutter-Shudo est né à Paris en 1990 et grandit à Tokyo. Après un passage aux Beaux-Arts de Paris et à la Art Center College of Design de Pasadena (Californie), il est membre de Shanaynay, un feu project space à Ménilmontant (Paris). Depuis 2015 il vit et travaille à Los Angeles, où il a fondé la galerie Bel Ami en 2016. En tant qu’artiste, il produit principalement de la sculpture et de la photographie, et s’intéresse aux rapports entre le langage et la matière physique. Il écrit aussi des nouvelles. Sa production artistique est représentée par Derosia (New York) et Crèvecœur (Paris).

Asha Schechter est un artiste basé entre Los Angeles et New York. Ses prochaines expositions comprennent "Objects of Desire" au LACMA à l'automne 2022. Parmi ses autres activités, il dirige The Vanity, une galerie à Los Angeles, et Apogee Graphics, une société d'édition et de design cofondée avec Laura Owens.

Gary Indiana est un écrivain et un artiste. Il est l'auteur de sept romans et de huit livres de non-fiction. Ses vidéos et ses photographies ont été exposées dans de nombreuses expositions individuelles et collectives, dont la 2014 Whitney Biennial.

Sadie Laska (née en 1974, Virginie) est une artiste et une musicienne vivant dans le Queens, à New York. Elle a reçu son MFA de la Milton Avery Graduate School of the Arts en 2014. Le travail de Sadie Laska a été présenté à l'échelle internationale, avec des expositions personnelles à Canada, New York ; 56 Henry, New York ; Soccer Club, Chicago IL ; Office Baroque, Bruxelles ; KS Art, New York ; et Galerie Bernard Ceysson, à Paris, Saint Etienne, France ; Luxembourg et Genève. En 2017, elle a fait l'objet d'une exposition collective à la Newport Street Gallery, à Londres, organisée par Damien Hirst. La même année, Sadie Laska a été commissaire d'Animal Farm, une exposition collective à la Brant Foundation and Study Center à Greenwich, CT. Son travail a également fait l'objet d'expositions collectives à la Night Gallery de Los Angeles, à la Gavin Brown's Enterprise, à White Columns, à la Marlborough Gallery et à la James Fuentes Gallery, toutes à New York, entre autres. Le groupe de Sadie Laska, I.U.D., s'est produit dans des lieux tels que le Whitney Museum of American Art, le PS1 Contemporary Art Center, The Kitchen, ISSUE Project Room, Astrup Fearnley et la Kunsthalle Zürich.

Eric Palgon est un peintre, un sculpteur et un poète qui vit dans le Queens, à New York. Son travail est inspiré par la nature, l'artisanat, le toucher et le divertissement. Il dirige la galerie en ligne Ahava Shemesh, que l'on trouve sur Instagram, et la maison d'édition de livres d'artistes et de poésie Turtle Jazz.

Alicia Vaïsse, née en 1983, est diplômée de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris.
Également titulaire d’une maitrise de Droit et d’Histoire de l’Art. Aujourd’hui enseignante d’arts et d’équitation, Alicia vit au sein d’un élevage de chevaux tout en menant une pratique artistique constituée de travaux de natures variées : dessin, peinture, photographie. Elle puise ses inspirations tant dans l’univers animalier qui l’entoure que dans son imaginaire, nourri de littérature documentaire et fictionnelle, s’intéressant particulièrement à des œuvres interrogeant les liens unissant les différentes espèces.

Atheel Elmalik est une chercheuse, écrivaine et réalisatrice qui s'attache à restituer à l'écran la vie de la diaspora noire et africaine avec précision. Elle s'intéresse à l'exploration des relations entre les gens et la terre, et entre eux à travers des histoires de mouvement et de migration, de guérison intergénérationnelle et de connexion à la sensibilité du monde plus qu'humain. 

Atheel a obtenu une licence en anthropologie à l'université de Stanford, où elle a concentré ses études sur les études africaines et les études visuelles. Elle a ensuite occupé des postes de conservatrice dans des institutions artistiques telles que le Museum of Modern Art de New York, dans le département des médias et des arts de la performance, le Studio Museum de Harlem et le Yerba Buena Center for the Arts de San Francisco. Après avoir passé les deux dernières années à assister et à gérer le studio de l'artiste Arthur Jafa à Los Angeles, elle développe actuellement son premier film narratif par le biais du studio de cinéma nouvellement créé par Jafa, SunHaus, sur lequel elle travaillera pendant son séjour à Arles. 
 

Adee Roberson est un·e artiste interdisciplinaire dont le travail est une méditation sur le symbolisme et la texture. Synthétisant performance et installation, son travail mêle vibrations et visions en technicolor à travers des peintures, des vidéos et des compositions mélodiques. Ses œuvres offrent une chronologie réfractée du mouvement de la diaspora noire, tissant des archives sonores et familiales avec le paysage, le rythme et l'esprit. 

Iel a exposé et joué dans de nombreux lieux, notamment au Portland Institute of Contemporary Art, au Yerba Buena Center for the Arts, à la Antenna Gallery, au Project Row Houses, au Palm Springs Art Museum, au Human Resources, au UTA Artist Space, au NADA Miami, au Contemporary Art Center New Orleans, au MOCA Los Angeles et au Art Gallery of Ontario. Adee a été artiste en résidence au Echo Park Film Center, à Treehouse Lagos et à ACRE. Iel est lauréat·e de la New York Foundation for the Arts Cutting Edge Grant et du 2021 Los Angeles Artadia Award. Iel est basé·e à Los Angeles, en Californie.

Le travail de Clément Rodzielski s’inscrit dans une pratique des usages et mésusages des images. Empruntant le plus souvent les moyens de la peinture, et par elle : prolongeant une existence interrompue des objets, ou à l’inverse empêchant le flux, redistribuant les surfaces.

Il est représenté par la galerie Chantal Crousel à Paris.

Shahryar Nashat est un plasticien. Il a exposé au MoMA, New York (2020) ; SMK, Copenhague (2019) ; Swiss Institute, New York (2019) ; Kunsthalle Basel, Suisse (2017) ; Portikus, Francfort, Allemagne (2016) ; Schinkel Pavillon, Berlin (2016).

À travers une esthétique documentaire, le travail photographique d'Ahlam Shibli aborde les implications contradictoires de la notion de foyer ; il traite de la perte du foyer et de la lutte contre cette perte, ainsi que des restrictions et limitations que l'idée de foyer impose aux individus et aux communautés marquées par des politiques identitaires répressives. Son travail a été présenté, entre autres, à l'ICO, au Seoul Museum of Art, à Fotonoviembre, à l'IVAM, au Museum der Moderne Salzburg, au MSU, à l'UGM, au Remai Modern, au S.M.A.K., documenta 14, Cassa di Risparmio, Camera Austria, Carré d'Art, Zachęta, Qalandiya International, Henie Onstad, Muzeum Sztuki, MACBA, Jeu de Paume, Serralves, Reina Sofía, Haus der Kunst, Galeria Kombëtare e Kosovës, 3e Biennale de Thessalonique, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Tate Modern, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, Darat al Funun, KW, CGAC, Pompidou, Documenta 12, Bienal de São Paulo, Kunsthalle Basel, Busan Biennale, Seville Biennial, Istanbul Biennial, T1 Torino Triennale, Yokohama Museum.